2003年“CAFA教师创作特展”在中央美术学院美术馆开幕，展出了290余位教师的近300件（组）作品，占据了美术馆四层全部空间，作品涵盖和包括了所有的视觉艺术门类和形式。

　　在经过新世纪13年的调整之后，现今中央美术学院已经由原来单一的、以造型艺术专业为主的小型美术院校，发展成造型艺术、设计艺术、建筑艺术、艺术人文四大专业板块相互支撑、相互影响的综合性美术院校。这一转变必然带来教师创作方式的新变化。浏览此次“阅兵式”式展览，引发我思考一个问题：如果美院教师以往多“择地深掘井”式的创作模式，现今则增添了“上路重组车”的创作模式。

　　“择地深掘井”式的创作模式是中央美院教师一贯的创作模式。这一创作模式主要表现为以下流程：以艺术语言的磨砺为起点和过程，完成由普通人向“艺术家”的蜕变，进而基于艺术问题继续深入，并以“状态”为基准，拓展为对社会问题的处理。自我磨砺与外向关注互相促进，使其成为典范意义上的“自然生长式”艺术家。

　　中央美术学院的校训为“尽精微 致广大”，如果按照“尽精微”而“致广大”的顺序来读，上述判断的含义便昭然若揭了。

　　“择地”是对“所要处理的问题的选择”，首先会对这一“问题”进行考量，是为“择”，这类似于论文开题报告——你所提出的问题有没有价值？前人做了哪些处理？处理到什么程度了？你在此问题上做怎么样的深入？

　　下一个环节，你具备“深挖”的条件吗？这除了中央美术学院这一个外部条件之外——它提供了相对自由、学术的创作氛围，一个艺术家的艺术素质、持续专注能力、对自我世界的警觉和分析能力也会成为极其重要的因素。

　　此次“CAFA教师创作特展”每位教师展出1-2件作品，基本上是他们创作的“冰山之一角”，尽管如此，仍可以管中窥豹。从这些作品中，能够看到这些教师对学术问题的持续关注。如艺术介入社会问题（徐冰、刘小东、姜杰、康剑飞），艺术的超越性问题（苏新平、展望、于凡、丘挺），艺术语言的探索问题（谭平、陈文骥、王璜生、孙路、刘刚、孙逊、刘文涛），民间资源的当代转化问题（吕胜中、乔晓光、邬建安），国画创新问题（贾又福、陈平、刘庆和、贾云娣、冯海涛、徐华翎），油画的民族化问题（袁运生、靳之林、洪凌、石煜、刘商英），雕塑传统问题（孙家波、申红飙、陈科、张伟、周思旻），材质体验作为艺术创作的重要基点问题（隋建国、张国龙、王郁洋），新材料与新技术问题（王川、缪晓春、费俊、彦风、姚璐、吴帆），个体自我的深入挖掘问题（喻红、王玉平、李帆、申玲）。需要指出的是，日常思索与持续探索是中央美术学院教师的一贯状态，这并非因为时间与工作量限制而受到阻隔。同时上述问题亦呈现相互交织关系。

　　“择地深掘井”方式的创作模式催生了“自然生长式”艺术家，伴随着学科的拓展，新技术基础上的新专业的发展会带来创作模式的重要变化。如果我们回想19世纪摄影术的发明对整个美术界的冲击，这个问题就容易理解了。当时整个绘画界都在回应摄影的冲击，试图与摄影一争高下。

　　这个问题如果反过来思考，将一种新技术视为艺术创作的新工具，并基于（或者质疑）这一新工具的技术核心，从而进行创作，可能就不会产生19世纪画家的“恐惧”，这可以称为我院摄影专业教师王川所说的“应变”，我称这一创作模式为“上路重组车”。新技术本身如果是一条高速公路，它本身有自己的逻辑，顺其发展整合，或者解构重返自我，都无法忽视它的存在。这或许是这个时代最重要的课题之一。